Archivos para el mes de: marzo, 2014

CARRIE, DON JON, EL ENGAÑOSÍNDROME POSTDIVORCIOLA VOZ DE UNA GENERACIÓN

A modo de la entrada que hice el año pasado por las mismas fechas, aquí van cinco mini-críticas, casi todas de estrenos en DVD, excepto una de ellas, de un no-estreno.

Por orden alfabético. Las descargas, pulsando en el título que figura en cada cabecera.

Feliz mes de la lluvia a todos. 

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CARRIE (2013), de Kimberly Pierce: LA TELEQUINESIS PÁLIDA 

Vamos a suponer que el maestro Brian De Palma no hubiese filmado la novela homónima de Stephen King en su momento narrativo álgido; a obviar todas aquellas pantallas divididas para mostrar acciones paralelas, todos aquellos ralentizados precisos y preciosos (en el recuerdo, la versión antigua parece que enseña mucho más, cuando en realidad enseña bastante menos). En resumen: vamos a suponer que la Carrie de De Palma jamás existió. Pues aun así, sin el agravio comparativo, la nueva versión se antoja paupérrima.

El remake de la autora de la aclamada Boys don’t cry (que, por cierto, siempre he considerado sobrevaloradísima) escamotea por completo el texto de King, y no porque no le sea más o menos fiel, sino porque en esta peliculita que nace con vocación de serie C como mínimo, no parece que destaquen las ocurrencias del llamado “maestro del terror”. Todo tiene aspecto de pálido, rebuscado, forzado, y sí, también anacrónico. Más que la adaptación de la novela de un autor de renombre, parece una nadería rodada a rebufo de Jennifer’s Body.

Los aficionados al género ya saben que de los remakes de títulos de terror clásicos sale bien más o menos uno de cada quince o veinte. Sin embargo, pocas veces habían salido tan mal. Hasta Chloë Grace Moretz y Julianne Moore quedan a años-luz de distancia de Spacek y Laurie respectivamente. Y lo peor es que habrá secuela…

El DVD sale a la venta el miércoles 23 de abril. Calificación: 3/10. 

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DON JON (2013), de Joseph Gordon-Levitt: DE LAS ADICCIONES, EL SEXO Y LO SUPERFICIAL

Y como sucede con la postrera Lake Bell, he aquí el debut tras la cámara de un actor, en este caso más que conocido. Gordon-Levitt cae tan bien como Bell, pero su película, a diferencia de la de aquella, cojea en un aspecto fundamental.

Gordon-Levitt se revela como un narrador más que competente, y muy hábil organizando las repeticiones del monólogo del protagonista, pero no hay ni un solo personaje en Don Jon que no se antoje una caricatura o un arquetipo. Al principio parece que el de Julianne Moore va a constituir la excepción… hasta que se destapan sus motivaciones.

Como, repito, Gordon-Levitt me cae bien, simplemente diré que ojalá un contador de historias tan hábil pronto sepa dotar a estas de la suficiente hondura. En su faceta de director de actores, eso sí, el protagonista de Looper no tiene precio.

Acabo con una recomendación personal: quien quiera ver una reciente y muchísimo mejor sobre adictos al sexo, que no se pierda la aún no estrenada Thanks for sharing.

El DVD sale a la venta el miércoles 9 de abril. Calificación: 5/10. 

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EL ENGAÑO, a.k.a. LOS LÍMITES DE LA VERDAD (2013), de Karen Moncrieff: LA INOCENTE Y LA BORRACHA

Lo nuevo de la autora de la película de culto The Dead Girl, con la malograda Brittany Murphy, se antoja algo así como una variante de la soberbia El inocente: el protagonista ahora es “la” protagonista; más que trapichera, como aquel Matthew McConaughey, es alcohólica; y su caso, como sucedía en aquel filme, plantea más de una disyuntiva moral a quien lo lleva y… permítaseme no seguir ahondando en el tema a riesgo de spoiler gordo de ambos filmes, aunque el título en español de este ya haga lo suyo…

Que Moncrieff es una directora con talento para la puesta en escena y pulso para la tensión dramática espero que nadie lo ponga en duda. Que Kate Beckinsale ha sido siempre una actriz excepcional, espero que tampoco. Y no hace falta añadir nada sobre Nick Nolte, salvo algún chascarrillo sobre su actual aspecto físico que mejor me guardo para alguna charla etílica por respeto al actor y a mis lectores.

Una película de juicios casi a la antigua usanza, que quizá habíamos visto ya, pero tal y como la cuenta Moncrieff, no importa verla de nuevo, e incluso, por qué no, más de una vez.

Sin fecha de estreno ni salida en DVD en España. Calificación: 6,5/10. 

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SÍNDROME POSTDIVORCIO (2013), de Stuart Zicherman: EL SÍNDROME DEL MAL DESENLACE

He aquí una comedia que protagonizan secundarios habituales del cine norteamericano (Adam Scott, Richard Jenkins o Clark Duke) y en la que hace de secundaria una habitual protagonista y estrella (Jessica Alba). El prometedor punto de partida da una vuelta de tuerca al tema de las relaciones amorosas y familiares a través del síndrome del título, acuñado por una terapeuta (Jane Lynch) que se ha basado en casos reales sin que algunos de esos “casos” (Scott) sospechasen haber sido transformados en material divulgativo.

A.C.O.D. funciona, y muy bien, hasta su calamitoso desenlace in medias res, que da la impresión de que a su guionista y director, el debutante en el largo Stuart Zicherman, se le ha acabado la tinta con que estaba escribiendo el guión, o quizá las ganas: todos son cabos sueltos, escenas desaprovechadas y trompicones con el tono y la lógica interna del hasta entonces divertidísimo relato. Una pena para el espectador, pero también para el elenco, que es el que realmente se luce, y en especial para Adam Scott, que no ha sabido elegir su primer papel protagonista, aunque desde luego apunta maneras.

El DVD sale a la venta el miércoles 9 de abril. Calificación: 4/10. 

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LA VOZ DE UNA GENERACIÓN (2013), de Lake Bell: LA VOZ EN OFF DEL TALENTO

Y hablando de secundarios, Lake Bell lo venía siendo sobre todo en comedias románticas como Algo pasa en Las Vegas o Sin compromiso, pero su debut como realizadora evidencia el suficiente talento como para augurarle una carrera brillante detrás de la cámara.

Asimismo, Bell aborda un tema muy poco hollado por el cine de su país y en general: la competitividad en el terreno de las voces en off de los tráilers. Con este inesperado MacGuffin, Bell escribe y dirige una comedia sobre lo de siempre, las relaciones amorosas y las familiares, y las pasmosas fluidez y naturalidad de su película resultan totalmente impropias de una debutante. Hablando en plata, Bell cae muy bien y su película aún más, especialmente por el agrado y la facilidad con que se contempla a ambas, a pesar de que las malas lenguas tilden a la cineasta de “feapa”.

Imperdible para cinéfilos y obligatoria en versión original.

El DVD salió a la venta el miércoles 26 de marzo.  Calificación: 7/10.

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EL GRAN HOTEL BUDAPEST, de Wes Anderson: WES SE HACE ESPECTÁCULO

Calificación: 6,5/10.

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Dentro de tratarse de Wes Anderson (un género en sí mismo, y perdón por el topicazo), El gran hotel Budapest no puede ser más distinta de su anterior película también de época, Moonrise Kingdom. Si en aquella el cineasta nos regalaba una emotividad sincera y sin fisuras, su nueva obra se antoja lúdica y –dentro de ser Wes Anderson, insisto- superficial. Como tantos otros directores en el pasado, Anderson se hace divertimento y espectáculo puro, sobre todo en lo visual. No sé si muy a su pesar, se acaba pareciendo más al Jiri Menzel de Yo serví al rey de Inglaterra (muy estimable e infravalorado filme cómico) que al Ophüls de Lola Montes (obra maestra por descontado).

Anderson da una lección de Historia apócrifa reinventando el siglo XX, y recordaría también a Hergé si no fuese por tanto humor negro. Con una estética deslumbrante marca de la casa, monta un flash-back que parte de los años 60 y se remonta a los 30. Hay en su “historia” cuadros valiosos, matones, asesinatos, persecuciones, una pizca de romance, humor negro como nunca se había visto en el realizador, el consabido desfile de rostros habituales y una fuga carcelaria en la que se aúnan con descaro el Jacques Becker de La evasión y el slapstick puro y duro.

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Trepidación, derroche de inventiva en cada plano, abuso de los zooms y los travellings laterales y una sofisticada trama llena de recovecos. El gran hotel Budapest no da respiro ni tiempo para reflexionar y tiene más orfebrería que sentimiento. Cansa la mirada si uno se mete de verdad en ella, y lo hace por desgracia antes del desenlace…

Con todo, Anderson no va a captar devotos nuevos. Sus hinchas le reirán las gracias y sus detractores probablemente se irritarán más que nunca. El que escribe estas líneas siempre se ha considerado andersoniano de pro, y puedo decir que esperaba más, u otra cosa. El gran hotel Budapest no es una película revisable, puesto que lo da todo y se agota en el primer visionado. No llega a resultar cargante, pero hace añorar Los Tenenbaums y Life Aquatic, sobre todo porque en esta no se oye ni una nota de Rock, y con la banda sonora Anderson no ha acertado tanto como con el diseño de producción. Una de las más divertidas y prescindibles películas de su director. 

* EL GRAN HOTEL BUDAPEST (2014). Director: Wes AndersonINTÉRPRETES: Ralph Fiennes, Tony Revolori, Saoirse Ronan, Bill Murray, Jude Law, Willem Dafoe,Tilda Swinton, Harvey Keitel, Edward Norton, Jeff Goldblum, Adrien Brody, F. Murray Abraham, Mathieu Amalric, Owen Wilson, Jason Schwartzman. NACIONALIDAD: EE. UU. La película se estrena el viernes 21 de marzo. Sin enlaces de descarga por el momento.

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DALLAS BUYERS CLUB, de Jean-Marc Vallée: VUELVE EL SIDA A LA ALFOMBRA ROJA

Calificación: 6/10.

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Antes de nada, sé que prometí no hablar de las películas de los Óscar. Sirva esta entrada como la excepción que confirma la regla, ya que, como dije también, ha sido muy divertido comprobar cómo académicos, críticos y cretinos en general han tenido que rectificar su opinión sobre el talento actoral de Matthew McConaughey. Por ejemplo, al crítico de la Guía del Ocio le leí a propósito de Los fantasmas de mis ex-novias: “Detestamos aún más si cabe al cachas Matthew McCounaghey, un actor que no es tal y cuyo palmito no anda precisamente sobrado de carisma”. Lean, lean.

Pero aparte de para echar por tierra estúpidos prejuicios, lo último del director de C.R.A.Z.Y. sirve para descubrir a los más jóvenes el impacto que tuvo, a mediados de los años 80, la llegada a Occidente de la enfermedad del SIDA, hoy en día con poca relevancia, hablando de modo global, en el Primer Mundo, pero que entonces se consideró algo así como un castigo divino universal, pues pronto rebasó los círculos de heroinómanos y homosexuales para atacar a lo que se suele conocer como gente corriente. La inconmensurable Ana Curra lo resumió con especial gracejo en una simpar versión de Edith Piaf: “Con el SIDA, se acabó la Movida”.

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Dallas Buyers Club se centra en la historia verídica de Ron Woodroof, un integrante de la white trash norteamericana, cowboy de rodeo, electricista, cocainómano y putero, que, al contraer la enfermedad y concederle los médicos un mes de vida, se dedica a consumir y después a difundir los fármacos que atenúan los síntomas en vez de los que supuestamente combaten los anticuerpos (el medicamento conocido como AZN), todo por mediación de un doctor proscrito al que interpreta un soberbio Griffin Dunne.

Aunque ni él ni Jennifer Garner, a la que McConaughey ya le dio réplica en la mentada Los fantasmas de mis ex-novias, son capaces de eclipsar ni un ápice a la pareja protagonista: McConaughey, claro, y Jared Leto, travesti ultra-fan de Marc Bolan, personaje torturado y frágil cuya incompatibilidad de carácter con Woodroof hace irrepetible su relación con este, primero como socios y luego como mutuos apoyos para la supervivencia.

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La cinta de Vallée posee exactamente todas las virtudes y los defectos de un filme rodado ad hoc para la alfombra roja del teatro Dolby, con el dudoso mérito de exponer un tema que no se paseaba por dicha alfombra desde Philapdelphia, salvo error u omisión. Grandes interpretaciones, sentimentalismo para público de multisalas, una narrativa como el cutis de Jennifer Garner (claro, preciso y sin el más mínimo afeite que deslumbre) y un aparatoso maniqueísmo en pos de los desfavorecidos. Todo visto muchas veces, salvo a Leto y McConaughey en esta tesitura. Va por ellos, y sobre todo por este último, el cual algunos nunca hemos dudado que se trata de un actorazo, no ya desde la soberbia El inocente o la indeleble El chico del periódico, sino, por qué no, desde la muy simpática Cómo perder a un chico en 10 días

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* DALLAS BUYERS CLUB (2013). Director: Jean-Marc ValléeINTÉRPRETES: Matthew McConaughey, Jennifer Garner, Jared Leto, Steve Zahn, Dallas Roberts,Denis O’Hare, Griffin Dunne, Kevin Rankin, Lawrence Turner, Jonathan Vane. NACIONALIDAD: EE. UU. La película se estrenó el pasado viernes 14 de marzo, pero puedes descargarla aquí y los subtítulos aquí.

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LAS AVENTURAS DE PEABODY Y SHERMAN, de Ron Minkoff: LECCIÓN DE HISTORIA Y CIENCIA PARA NIÑOS GRANDES

Calificación: 7,5/10.

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Hace cierto tiempo, una amiga mía que suele ir al cine con su hija a ver películas de animación infantiles, se quejaba de que estas cada vez estuviesen más pensadas para los adultos, con guiños históricos y cinéfilos que los niños no captan. Creo recordar que todo vino a raíz de Toy Story 3, de la que alguna otra madre me dio exactamente la misma opinión.

Pues con Las aventuras de Peabody y Sherman, desde luego, se van a llevar un nuevo chasco. Si el director de El rey león, hoy felizmente adaptado a los tiempos del 3D, se atrevía a homenajear en aquella nada más y nada menos que a El triunfo de la voluntad, de la gran Leni Rifenstahl, hoy recrea sin embozo planos de Intolerancia, de Griffith, para reproducir el antiguo Egipto en vez de Babilonia en uno de los viajes en el tiempo de los protagonistas, padre e hijo, o perro e hijo mejor dicho.

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Peabody y Sherman también se pasean por la guerra de Troya, la Italia del Renacimiento o la corte de María Antonieta. Hay estereotipos culturales al borde de la xenofobia, una visión cruel del enamoramiento hombre-mujer, algún chiste de ligero mal gusto y hasta una broma acerca del escándalo Clinton-Monica Lewinsky. Para colmo, las paradojas espacio-temporales de los viajes en el tiempo no se explicaban con tanta minuciosidad –aunque con más espectacularidad- desde Regreso al futuro II.

Así que no tengo muy claro cuál es la edad recomendada para este producto y supongo que muchos padres tampoco, pero cualquier niño grande va a disfrutar con ella de lo lindo. No en vano, Las aventuras de Peobody y Sherman consigue encaramarse al podio de mejores largometrajes de animación 3D hechos jamás, por complejo -tanto técnica como argumentalmente-, divertido, trepidante, espectacular, diferente y también por lo que supera el acartonamiento sabihondo de la serie en que se basa. Una de las más sugestivas lecciones de Historia y Ciencia que se han dado jamás sobre una pantalla, y otro rotundo triunfo de Dreamworks Animation, que parece que conocerá una nueva edad de oro unida a 20th Century Fox (que nadie olvide Los Croods). Así que cualquier cinéfilo desprejuiciado puede usar a sus hijos o sobrinos como pretexto para acudir a verla: es de lo mejorcito, o lo mejorcito directamente, de la cartelera actual. 

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* LAS AVENTURAS DE PEABODY Y SHERMAN (2014). Director: Rob MinkoffINTÉRPRETES DE LAS VOCES: Ty Burrell, Mel Brooks, Max Charles, Ariel Winter, Allison Janney, Leslie Mann, Lake Bell, Stanley Tucci, Karan Brar. NACIONALIDAD: EE. UU. La película se estrenó el pasado viernes 7 de marzo, pero puedes descargarla aquí. NOTA: solo disponible doblada al español latino. 

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El próximo viernes 7 de marzo se cumplen quince años desde la muerte del realizador Stanley Kubrick. A todo el que haya visto aunque sea una de sus películas, la sola mención de su indeleble apellido le evoca una serie de emociones contradictorias, agridulces y hasta procelosas (curioso: él que siempre fue acusado de frío y cerebral). Es lo que tiene ponerse delante de la verdadera Grandeza, a menudo confundida con desmesura y megalomanía. Lo mismo ocurre con Welles, Griffith, quizá Lean y paramos de contar.

Kubrick, el pesimista y misántropo incurable, el ajedrecista que siempre nos ganó la partida a sus espectadores, y el cabezota que se llevó a la tumba el secreto del monolito de 2001. Hasta los que le detestan coinciden con los que le adoramos en que no hubo otro como él ni lo habrá.

La filmografía del genio es pura Historia Sagrada, y repasarla, redundar en el tópico, pero en este aniversario se me permitirá, más si menciono y enlazo sus primeras obras, desconocidas para la mayoría.

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Kubrick comienza a ensayar su arte cinematográfico con tres documentales de relativo interés: Day of the fight (1951), Flying Padre (1951) y The Seafarers (1953). De estos tres, el más digno de mención es el primero, puesto que supone un intento de suspense y contiene algunos encuadres superlativos. Algo así como un ensayo general, puesto que también se desarrolla en el mundo pugilístico, para El beso del asesino. Los otros dos, algo enfáticos y muy convencionales; de hecho, The Seafarers fue producido por el Sindicato Internacional de Marinos y estuvo perdido durante 40 años.

Fear and Desire (1953) supone el debut del neoyorquino en la ficción, un mediometraje bélico casi abstracto con un gran estudio psicológico de los personajes y que denota lo bien que su hacedor se tenía aprendido el montaje de la escuela soviética.

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El primer largometraje del cineasta es el ya mencionado El beso del asesino (1955), a menudo calificado como bisoño y menor, cuando hay que verlo como una apasionante serie B con los chispazos de talento de alguien destinado a empresas más grandes. Lo sigo prefiriendo a otros filmes del director. Atraco perfecto (1956) fue en su momento un fracaso de crítica y de público, pero todos sabemos que ambos se equivocan casi siempre. Incluso Godard menospreció la cinta desde su poltrona del Cahiers. Para el que suscribe, The killing, por su esmerado y minucioso fatalismo, hasta por su misoginia y desde luego por su exactitud narrativa, es la película más perfecta que se ha hecho sobre atracos imperfectos.

No obstante, la aclamación unánime llegó con Senderos de gloria (1957) y no es para menos: tan implacable como imperecedera, todos deberíamos oír, más en estos tiempos de nacionalismos y separatismos cerriles, aquello de que “el patriotismo es el último refugio de los cobardes”, y seguro que el final no deja un ojo seco de los que tachan a Kubrick de fabulador nada emotivo.

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Tras verse apartado del proyecto de El rostro impenetrable, el director sustituye a Anthony Mann en el rodaje de Espartaco (1960), a la que deja bastante de su impronta, aunque en algún momento tengamos la impresión de que el filme se le va de las manos, como le sucedió a Mankiewicz con Cleopatra. A partir de este momento, comienza la Edad de Oro en el cine del maestro: la prodigiosa Lolita (1962) posee mucho menos romanticismo y mucho más sarcasmo que su modelo literario, aparte de la escena de las uñas de los pies que fue sacada directamente de Perversidad. Aún mejor resulta Teléfono rojo: ¿volamos hacia Moscú? (1964), sátira de la Guerra Fría y la escalada armamentística de las dos grandes potencias en la era nuclear que se encuentra un paso más allá del humor negro. También se celebra este año su aniversario: 50 años y aún no ha sido superada, como tampoco la triple interpretación de Peter Sellers. Por desgracia, la única incursión de Kubrick en la comedia.

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2001 (1968), la más mastodóntica y célebre de las obras de su autor, ha provocado océanos de tinta y resultaría baladí añadir nada, salvo quizá que no ha envejecido demasiado bien: en este aburrido y mísero nuevo milenio, no hay ordenadores inteligentes, ni carrera espacial, y las drogas psicotrópicas que inspiraron su último tramo, tan en boga en aquellos tiempos, hoy resultan perseguidas y tabúes.

La naranja mecánica (1971), al contrario, resultó adivinatoria, aunque su fastuosa imaginería retrofuturista pertenezca tanto a su tiempo. Que nadie olvide, sin embargo, que se trataba de la primera vez en la Historia del Cine en que la explicitud de los contenidos y el barroquismo estético se daban la mano tan fuertemente con los interrogantes sin respuesta acerca de la naturaleza humana y la pugna entre civilización y barbarie.

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Todos los kubrickianos tienen sus filmes favoritos y otros que no los son tanto, o que no lo son en absoluto. A mí me ocurre con la gélida, academicista e interminable Barry Lyndon (1975) y con El resplandor (1980), y es que nadie menos apropiado que el maestro para dirigir una cinta de este género. Coincido con Stephen King, autor del best-seller en que se basa el filme, que este se puede comparar con un automóvil de bonito chasis pero sin motor. Puede que por decir lo siguiente me lleve más de una colleja virtual, pero la historia de Jack Torrance y su familia debió haberla puesto en imágenes John Carpenter, o tal vez Wes Craven.

La chaqueta metálica (1987) fue mucho peor acogida, sobre todo porque coincidió con un sinfín de películas sobre el mismo tema como Platoon, La colina de la hamburguesa o Corazones de hierro, casi todas más célebres y mejor valoradas, pero ninguna superior. Aparte de su visión de la instrucción militar, ¿quién sino Kubrick puede hacernos creer que una francotiradora vietnamita puede diezmar a todo un pelotón del ejército estadounidense? Nadie supo ver aquí la genialidad del cineasta.

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Y, por último, Eyes wide shout (1999), un absorbente largometraje relleno de huecos de puro Cine: los largos y elegantes travellings, las elipsis, la perfeccionista dirección de actores… En su última baza, Kubrick volvió a jugar al desconcierto, pero también a la seducción. Con todo, más que un testamento cinematográfico, supone un final dolorosamente abrupto.

En fin, demasiados años para tan pocas películas. Por el camino, muchos proyectos frustrados, pero también muchas de las imágenes del celuloide de nuestras vidas: las gafas en forma de corazón de Sue Lyon; el saludo nazi del Dr. Strangelove; el Moloko Vellocet; el ojo bermellón de Hal 9000; las máscaras de payaso en el atraco a un hipódromo; un nudo en la garganta. Kubrick sigue tan en boga y es tan parte de nosotros que casi no nos podemos creer que se haya ido hace tres lustros, pero me temo que así es.

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