Archivos para el mes de: diciembre, 2013

LA VIDA SECRETA DE WALTER MITTY, de Ben Stiller: EL REMAKE COMO AVENTURA

Calificación: 7/10.

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De unos cinco años a esta parte, y en vista de la gama media-baja de los productos protagonizados y dirigidos por Ben Stiller, estábamos empezando a creer que habíamos sobrevalorado al cómico judío. Y, de pronto, Stiller se fija para hacer un remake en una añeja comedia de los años 40 (subtítulos aquí) que ha envejecido particularmente mal, por su rudimentaria comicidad cercana al slapstick mudo que el estomagante actor Danny Kaye estiraba hasta los límites de lo soportable… y el director de Zoolander consigue transformarla por completo.

No obstante, Stiller ha declarado que sí siente aprecio por la película de Norman Z. McLeod, pero su nueva versión es un ejemplo de infidelidad tanto a ella como a la historia corta de James Thurber en que se basa. Se podría decir más bien que Stiller las utiliza de punto de partida para empezar a edificar, con ayuda del conocido guionista Steve Conrad (El hombre del tiempo, En busca de la felicidad), una obra totalmente nueva y casi inédita sobre el fracaso, la distancia entre la realidad y el deseo y un sentido de la aventura tan romántico como houstoniano.

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De hecho, en La vida secreta de Walter Mitty, la nueva versión, las referencias al universo original de Thurber y McLeod, esas ensoñaciones con las que el protagonista se abstrae, son lo más débil de la función, o, más bien, lo son sobre el papel, porque Stiller les insufla un sentido visual que pocas veces le habíamos visto, a la vez que en una de ellas, la de la parodia de Benjamin Button, exprime su faceta más conocida con un resultado desternillante.

THE SECRET LIFE OF WALTER MITTY

Pero Stiller y Steve Conrad se lucen en el resto de aspectos del filme, empezando por su ambientación en la revista Life, o más bien en los estertores de su edición impresa con la consiguiente y dramática reducción de plantilla (sucedió en la realidad a mediados de 2007); en el romance, donde Kristen Wiig, proveniente como Stiller del Saturday Night Live, da la réplica perfecta y acumula con este la química deseable; pero, sobre todo, en la aventura, donde el filme comienza a cobrar entidad propia, y, por decirlo así, se hace grande: Mitty, procesador de las fotografías de la revista mencionada, extravía aparentemente el negativo de la que iba a ser la portada del último número en formato físico, y decide pedírselo personalmente al fotógrafo-reportero-aventurero que realizó la instantánea (Sean Penn), persiguiendo a este por medio mundo, desde Islandia hasta el Tíbet, con todo tipo de peripecias de por medio. Ese sentido de la aventura como fin más que como medio y como forma de vida  (en este caso, el verdadero comienzo de la  de Mitty) entronca con Houston y Hawks, y desde luego resulta insólito en el cine de hoy.

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Espero que las anteriores líneas logren traslucir que hablamos de una película emocionante, que equilibra con maestría sus diferentes elementos y que supone un paso adelante en la filmografía de Stiller. A mí no me cabe la menor duda que se trata de lo mejor que ha dirigido, ni de que le va a resultar muy difícil superarla. Por cierto: en estas fechas, muy adecuada para toda la familia.

* LA VIDA SECRETA DE WALTER MITTY (2013). DIRECTOR: Ben Stiller. INTÉRPRETES: Ben Stiller, Kristen Wiig, Adam Scott, Patton Oswalt, Shirley MacLaine, Kathryn Hahn, Sean Penn. NACIONALIDAD: EE. UU. La película se estrenó ayer miércoles 25 de diciembre. Sin enlaces de descarga por el momento. 

THE SECRET LIFE OF WALTER MITTY

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Un preámbulo muy breve: este año, debido un poco a cómo se ha ido desarrollando la actividad del blog y también a que lo podido ver en salas no ha resultado en conjunto excesivamente interesante, incluyo también películas no estrenadas aún y hasta una producida para la televisión. No está The cabin in the Woods porque ya la incluí en la lista del año pasado. Los enlaces de descarga, en los títulos, como siempre, y los subtítulos aparte en caso de que sea necesario. 

Kore-eda

10. DE TAL PADRE, TAL HIJO, de Hirokazu Kore-eda. El veterano Kore-eda pone sobre el tapete con su última obra una cuestión que hacía mucho que no se planteaba en el cine: con los hijos, ¿puede más la sangre o el afecto? Aunque ni un solo criticastro lo haya recordado, hay una película francesa de los 80 que trata exactamente el mismo tema y que, aun en clave de comedia bufa, resulta superior: La vida es un largo río tranquilo, de Étienne Chatiliez. No obstante, Kore-eda filma su historia con un rigor tan minucioso que pasma y lo desborda todo con un gran final, de los mejores que se han visto en pantalla este año.

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9. PARADISE, de Diablo Cody. El debut en la dirección de la oscarizada guionista y ex-stripper Diablo Cody resulta sumamente irregular, pero cuando los personajes de Cody cobran vida en vez de hablar como quiere la guionista, el filme se acerca a la sublimidad y consigue un tono casi inédito en el cine indie americano. Hermosa –pero irregular, insisto- fábula sobre una superviviente de una catástrofe aérea que acude a Las Vegas a experimentar todos los placeres posibles. El resto lo hacen Octavia Spencer, Russell Brand y Julianne Hough.

Sharknado - 2013

8. SHARKNADO, de Anthony C. Ferrante. Sí, Sharknado. Porque representa a todas esas pelis de bichos del canal SyFy que nadie se había tomado en serio hasta ahora, pero esta ha sacado 3 millones de espectadores y 400.000 menciones en Twitter el día de su primer pase. Una pequeña revolución, y es que, a pesar de su disparate de argumento y de sus efectos especiales baratos, se trata de una de las mejores películas de serie B que se han hecho jamás, trepidante de principio a fin y llena de líneas de diálogo memorables. Una película de culto instantánea.

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7. SPRING BREAKERS, de Harmony Korine. El guionista de los primeros filmes de Larry Clark, hasta el momento director experimental, reutiliza a un par de estrellas Disney y a un James Franco que ni ha estado ni estará mejor para lograr un filme insólito, donde la física y la metafísica del Mal lindan con el misticismo de la unidad en la celebración colectiva. La única pega que se le puede poner a Korine es que afloja demasiado en la parte central, aunque el inicio y el desenlace posean una fuerza arrolladora, y hay escenas tan impecablemente filmadas como la del atraco. Muy buena en conjunto, pero no para todos los paladares.

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6. THE LOOK OF LOVE, de Michael Winterbottom. El biopic pocas veces había llegado a cotas como las que alcanza Winterbottom narrando la vida del famoso empresario pornógrafo Paul Raymond, al que encarna el mejor Steve Coogan posible. Al principio es una historia de arribismo en clave cínica y pop; luego, una recreación casi scorsesiana de los excesos que conlleva el éxito; finalmente, se queda en una imitación a la vida que se mueve en la fina línea entre el culebrón y la tragedia griega. ¿La mejor película de Winterbottom?

Sandra Bullock

5. GRAVITY, de Alfonso Cuarón. Todos nos quedamos boquiabiertos con esta aventura interestelar en 3D, que James Cameron ha asegurado que se trata de la mejor película sobre el espacio hecha jamás. Sea eso cierto o no, visualmente resulta apabullante y su ritmo en la segunda mitad, casi perfecto. Un milagro técnico y artesanal que se ha comparado en lo grandioso con 2001, de Kubrick.

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4. LA ESPUMA DE LOS DÍAS, de Michel Gondry. Parecería que el conocido realizador galo, al que muchos tildan de genio, utilizó la limitadísima The Green Hornet para coger aliento y darnos su obra visualmente más exuberante, lo cual ya es mucho si se piensa que hablamos de Gondry. Él pone toda su técnica, inventiva y alma en esta adaptación de Boris Vian que resulta una experiencia arrebatadora y agotadora. A título personal, la primera vez que el libro –y lo siento por el sacrilegio- me aburre y la película me entusiasma.

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3. A SIMPLE LIFE, de Ann Hui. La única directora oriental de culto cuyas obras llegan a Occidente nos trae una película que nunca habíamos visto sobre la gratitud, la muerte y una extraña relación de afecto y dependencia entre un hombre y su ama de cría. Con tanta sobriedad en la puesta en escena como serenidad en el ánimo, la película, sin embargo, consigue dejar el corazón en un puño. Muy difícil de olvidar. Subtítulos aquí

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2. PARAÍSO: ESPERANZA, de Ulrich Seidl. Dicen que Seidl ha desbancado a Haneke como enfant terrible del cine austriaco, y si bien los dos primeros capítulos de la trilogía Paraíso resultaban algo romos, en este último el director consigue la proeza de alternar su tono cruel con una inusitada ternura al contar la historia de amor imposible entre una treceañera y un médico en un campamento para adolescentes obesos. Al superarse a sí mismo, Seidl logra un equilibrio casi imposible entre una mirada despiadada sobre lo que filma y a la vez llena de comprensión y humanidad. Única e inigualable.

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1. STOKER, de Chan-wook Park. En su primera aventura en Hollywood, el director coreano conocido por Oldboy tiene el acierto y la fortuna de elegir un guión del actor Wentworth Miller que llevaba años en mesas de despachos, y el resultado es un insólito y malsano cruce entre el Hitchcock de los 40 y 50, el nuevo terror japonés y el thriller norteamericano ultraviolento. La forma en que Park cuida al milímetro su puesta en escena en cada uno de sus planos convierte a Stoker en una lección de Cine con mayúsculas. Cuenta además con unos intérpretes en estado de gracia, entre los que destaca una Nicole Kidman que ya hubiera querido para sí el maestro Hitch. Para ver muchísimas veces apreciando cada detalle.

Y este año también me han encantado -sin parecerme, quizá, tan significativas como las de la lista- Behind The Candelabra, Los Croods, Si fuera fácil, Frozen, El camino de vuelta, El chico del periódico, Mud, Insidious: capítulo 2, The Canyons, Epic, The East, The Trip, Blue Valentine, El lado bueno de las cosas, Amor y letras y La vida secreta de Walter Mitty (de esta última tratará la próxima entrada).

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UNA VIDA SENCILLA, de Ann Hui: LA MEJOR PELÍCULA ORIENTAL DE 2013

Calificación: 8/10.

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Ann Hui es de las poquísimas cineastas orientales cuyas obras nos llegan a Occidente. Y lo último –y parece que lo mejor- de esta veterana realizadora hongkonesa es una película que no habíamos visto nunca sobre la muerte y la gratitud, a la vez que contiene una de las más extrañas relaciones de pareja que se han contado sobre una pantalla.

Roger, un hombre profesionalmente dedicado al cine y la mar de solitario, aún vive con su ama de cría Chun Tao-Chung, hasta que a ella le da un derrame cerebral. Entonces, por deseo de ella, Roger la ingresa en una residencia y además la colma de atenciones. Aparte de los mencionados, el personaje más destacable del drama es otro de los internos, que siempre le está pidiendo al ama de cría pequeñas cantidades de dinero…

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Hui, aparte de retratar admirablemente la extraña relación de afecto y dependencia recíproca entre Roger y Tao (el uno, un solitario que sólo parece sentirse a gusto en compañía de la mujer que lo crió; la otra, que ha dedicado su vida a ser el soporte de otras vidas, y no conoce prácticamente otra realidad), sabe caminar con pies de plomo y sin alharacas por la trayectoria de los personajes, y aun así, la fuerza emocional y poética que despide dicha trayectoria casi no tiene parangón en el cine de estos últimos doce meses. La mejor película oriental que ha llegado –aunque algo tarde, y no solo por diciembre, sino porque se estrena con dos años de retraso- a nuestras carteleras en este 2013 y una de las mejores del año en general.

Basada en hechos reales. Premio en el festival de Venecia a Deanie Yip como mejor actriz. 

* UNA VIDA SENCILLA/A SIMPLE LIFE (2011). DIRECTORA: Ann Hui. INTÉRPRETES: Andy Lau, Deannie Yip, Wang Fuli, Qin Hailu, Eman Lam, Anthony Wong Chau-Sang, Hui Pik-Kei, Elena Kong. NACIONALIDAD: Hong Kong. La película se estrena mañana viernes 2o de diciembre, pero puedes descargarla aquí y los subtítulos aquí.

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SOBRAN LAS PALABRAS, de Nicole Holofcener: EL ÚLTIMO Y PLÁCIDO GANDOLFINI

Calificación: 6/10.

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He aquí una comedia de enredo contada con la honestidad de un drama indie y que se hace valiosa por las interpretaciones, especialmente en lo que concierne a la pareja protagonista, y eso que se pasean por el filme las siempre extraordinarias Catherine Keener y Toni Collette -a esta última la vimos hace no mucho en la quizá superior El camino de vuelta.

Sin embargo, a Julia Louise-Dreyfus, conocida sobre todo por la serie Seinfeld, ya la han nominado doblemente a los Globos de Oro (por esta interpretación y por la que realiza en serie Veep), y medio mundo echa de menos a James Gandolfini, que con su enorme humanidad estuvo capitaneando la serie Los Soprano durante seis temporadas.

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La química entre Louise-Dreyfus y Gandolfini resulta muy superior a la temperatura del enredo, pero este se deja ver con agrado, y, asimismo, contiene unas cuantas observaciones muy certeras acerca de los pequeños detalles que llevan a odiar al cónyuge hasta el divorcio (te da asco cómo remueve el guacamole, no sabe susurrar en el cine, etc.). En resumen, una plácida despedida para un gran actor que ha lanzado a su partenaire a los premios que se consideran la antesala de los Óscar.

* SOBRAN LAS PALABRAS (2013). DIRECTORES: Nicole Holofcener. INTÉRPRETES: Julia Louis-Dreyfus, James Gandolfini, Toni Collette, Catherine Keener, Ben Falcone, Tavi Gevinson, Tracey Fairaway, Eve Hewson. NACIONALIDAD: EE. UU. La película se estrena mañana viernes 20 de diciembre, pero puedes verla online y descargarla aquí

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MUCHO RUIDO Y POCAS NUECES, de Joss Whedon: SHAKESPEARE EN BLANCO Y NEGRO

Calificación: 6/10.

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El guionista de la soberbia The cabin in the Woods  y realizador, entre otras, de Los Vengadores, cambia ahora totalmente de registro para presentar su película de qualité y la única suya que presumiblemente no verán los fans de los superhéroes ni de la ciencia-ficción.

Con todo, tiene cierto ingenio esta adaptación de la famosa obra de Shakespeare: Whedon la traslada a la época actual, pero la rueda en blanco y negro, y la puebla de un buen reparto de secundarios para que ninguna estrellaza distraiga la atención del texto.

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A Whedon la jugada le funciona aceptablemente y, aunque las comparaciones resulten tan odiosas como inevitables, a mí esta versión se me ha hecho infinitamente más ligera que aquella que Kenneth Branagh rodó en los 90, donde, por cierto, sí chirriaba el reparto (imaginad lo que pintaba allí Denzel Washington…). Total, no se trata de una adaptación definitiva, pero sí ingeniosa y muy fácil de ver, incluso para los que siempre van al cine predispuestos contra El Bardo…

* MUCHO RUIDO Y POCAS NUECES (2013). DIRECTOR: Joss Whedon. INTÉRPRETES: Amy Acker, Alexis Denisof, Nathan Fillion, Clark Gregg, Reed Diamond, Fran Kranz,Jillian Morgese, Sean Maher, Spencer Treat Clark, Riki Lindhome, Ashley Johnson. NACIONALIDAD: EE. UU. La película se estrena mañana viernes 20 de diciembre, pero puedes descargarla aquí y los subtítulos aquí.

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He aquí un tipo de ranking inédito en este blog, sin ninguna pretensión de exhaustividad ni de adopción de los criterios de la Rolling Stone o Pitchfork (lo que hace todo el mundo). Me ha sabido mal dejarme alguna cosa fuera, y especialmente a un grupo de Brooklyn que aún no tiene álbum editado: Field Mouse. Pues eso: criterio personal e intransferible y espero que al menos os anime a los melómanos a descubrir o redescubrir artistas y grupos.

En los títulos, los enlaces de escucha gratuita y/o descarga.

10. KRAAK & SMAAK: CHROME WAVES

KraakPara encontrar un disco (casi) perfecto de música electrónica, uno tiene que mirar más allá de Daft Punk. Estos tres veteranos productores holandeses provenientes de las Funky Breaks han tenido que reinventarse con el tiempo, y en su larga duración más completo, redondo y variado, le atizan al Deep House elegante y “cantado” (The future is yours, How we gonna stop the time), al Disco en la línea de los últimos y mentados Daft Punk (Good for the city), al Rap Oldskool tipo Grandmaster Flash (The upper hand), al Euro-Dance en la línea de Sally Shapiro (Love Inflation), al Electro-House (Your Body) o al Breakbeat de pura cepa (Just wanna be loved).

Hay en esta sucesión de hits (once, nada menos) una exhibición de talento, destreza y buen gusto muy difícil de igualar, pero también cierta soberbia de quien se sabe manejar con tanta soltura en tan variados registros. Un extraordinario disco intrascendente y bailongo.

9. EUROS CHILDS: SITUATION COMEDY

EurosEuros Childs es como se hace llamar el líder de los escoceses Gorky’s Zygotic Mynci, disueltos hace cerca de una década. Este es el quinto disco en solitario de Childs tras cinco años de silencio, y un intento por recuperar las canciones más sencillas y las melodías más certeras. Ecos de los 60, de los Who, los Kinks y la psicodelia para un trabajo siempre interesante, a veces fascinante, y cuyo tema de apertura, Tête à Tête, se erige como uno de los mejores del año, aparte de que resulta imposible sacárselo de la cabeza:

8. SULK: GRACELESS

SulkSi hace tres años salieron grupos como The Pains Of Being Pure At Heart o Yuck que prácticamente calcaban el sonido de My Bloody Valentine, Sulk no hace otra cosa con los sacrosantos Stone Roses. Puede que el quinteto londinense no se desvíe un milímetro de su fórmula, pero conseguir en 2013 hits del Madchester tan rotundos como Flowers o Diamonds in Ashes tiene más mérito del que parece. Un debut que se deja escuchar entero por su sana energía y porque en cierto modo reconforta seguir encontrando grupos tan jóvenes con tal fijación en el pasado y la tradición del Pop británico.

7. BFLECHA: BETA

BflechaY he aquí el disco nacional de la lista. Que conste que no pretendo cubrir cupo, es que la gallega Belén Vidal se merece esto y muchísimo más. Después del fantástico 10’’ Ceja de carnival y del no menos disfrutable Maxi Quasi Naves, aquí llega su debut en el larga duración. BFlecha, perteneciente al colectivo Arkestra, practica una música tan trendy –dicho esto si afán peyorativo- como singular y me temo que minoritaria (no veo yo llegando a Disco de Oro a quien cita entre sus influencias la novela corta de Bioy Casares La invención de Morel).

Exquisita mixtura de ritmos Dubstep, fraseo R&B, querencia por el Tecno-pop patrio de los 80 y gozosos intersticios de la electrónica de principios de los 90, Beta no deja apenas respiro entre sus estribillos tarareables, sus alardes de producción y su compleja y particular sensibilidad. Un disco que requiere esfuerzo y bastantes escuchas para acabar disfrutando de todos sus matices y recodos. Augurarle a BFlecha un buen futuro en lo suyo resultaría baladí ante el presente de estos doce temazos.

Añado una foto que saqué yo mismo a Belén en el festival Autoplacer en junio de este año:

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6. EX-COPS: TRUE HALLUCINATIONS

Ex CopsQuinteto de Brooklyn increíblemente cool con unas influencias más vistas que el tebeo (básicamente, The Jesus and Mary Chain y Pavement con un pelín de Moldy Peaches y hasta de Teenage Fanclub) que, sin embargo, ha sabido conjugarlas con un entusiasmo ingenuo y refrescante, logrando un debut que se escucha de un tirón y que está lleno de grandes momentos. Un disco para volver a creer en la efectividad de lo malo conocido -dicho lo de malo en sentido figurado-, la importancia de la actitud y también para no quitarle ojo a la preciosa vocalista Amalie Bruun.

Eso sí, como True Hallucinations salió a principios de enero de este año, es muy difícil, queridos lectores, que lo vayáis a ver en otras listas…

5. WHITE LIES: BIG TV

White LiesEl trio británico hipster por excelencia no intenta nada diferente de lo que le ha venido funcionando en los dos y exitosos discos anteriores, aunque, dentro de los mismos márgenes musicales (Tecno-Pop y Pop épico de los 80 versus Interpol), quizá sea este su disco más cercano a Depeche Mode. La voz engolada de Harry McVeigh sigue entonando unos estribillos que parece imposible que funcionen de puro simples (Change), y además hay hits tan incontestables como Goldmine y, sobre todo, There goes our love again. Mejor que To lose my life, pero algo inferior al precedente Ritual, aunque apenas se nota la diferencia cualitativa.

4. ROBBIE WILLIAMS: SWINGS BOTH WAYS

RobbieA estas alturas, el ex-Take That puede permitirse hacer prácticamente lo que quiera, si bien es cierto que absolutamente nadie esperaba este disco Swing/Crooner/Easy Listening plagado de duetos brillantes, especialmente los que Williams rubrica con Lily Allen, Michel Bublé y Rufus Wainwright. Fiel al espíritu que recrea pero a la vez con un punto macarra e irreverente, sobre todo en el corte que da título al disco, sabe pasar de versiones de El libro de la selva o El mago de Oz a otras de clásicos como Dream a little dream of me o la especialmente afortunada de 16 tons. Quizá le sobre algún tema en su versión extendida, pero nunca llega a aburrir. Muy recomendable sobre todo para estas fechas.

3. VALERIE JUNE: PUSHIN’ AGAINST A STONE

ValerieOriunda de Memphis, Valerie June conoció cierto éxito junto a su ex-marido con el dúo Bella Sun a principios de la pasada década. Cuando el matrimonio se fue a pique y el dúo también, June se dedicó a recorrer su país tocando en estaciones de bus y paradas de metro. De vuelta a Memphis, consiguió reunir por crowdfunding la cantidad suficiente para grabar Pushin’ against a Stone y… aquí lo tenemos. El disco aúna Soul, Folk y Blues otorgándoles un toque cajún y, como se suele decir, aunque en este caso sea cierto, una sensibilidad torrencial. Cortes tan atemporales como You can’t be told, Somebody to love, Workin’ woman Blues o el precioso On my way lo atestiguan. Para resumir la cuestión, la mejor intérprete de música negra desde Amy Winehouse.

2. DAVID BOWIE: THE NEXT DAY

BowieCalificado por el periódico británico The Independent como “el mejor álbum regreso en la historia del Rock and Roll”, el Duque Blanco consigue un disco que casi iguala los resultados de los mejores tiempos a fuerza de hacer un compendio de estilos de aquellos. Hay Glam-Rock (The Next Day), guiños a su etapa mod (Dirty Boys), pletóricos medios tiempos que recuerdan al Space Oddity o al Hunky Dory (Valentine’s Day), déjà vus de la etapa con Brian Eno (If you can see me), Rock a secas (You will set the world on fire), o recuerdos de su sonido más ochentero (Dancing out of space), por citar solo algunos ejemplos.

Quizá le sobre algo de duración y más de un tema, pero el conjunto no deja de antojarse arrebatador. No se sabe si habrá gira, si dicha gira recalará en nuestro triste país o si se trata del último lanzamiento discográfico del señor David Robert Jones; ante tantas incógnitas, qué menos que seguir dándole escuchas a The Next Day, porque mejora y crece en matices en cada una de ellas.

1. BLACK SABBATH: 13

SabbathLos Reyes del Metal –o del Hard Rock, lo mismo da en este caso- consiguen, a una distancia de 40 años del cénit de su reconocimiento, el séptimo de sus álbumes imprescindibles. Es decir: 13 es el disco que los fans deberían guardar en la estantería detrás de Sabotage. Con la formación original, salvo por el batería Brad Wilk (Audioslave), el disco pasma desde el primer acorde por conseguir con los medios actuales un disco tan cercano al Paranoid, al Masters of Reality o al Sabbath Bloddy Sabbath que uno no cesa de preguntarse si de verdad funcionan la magia negra y el culto a Satán. Temas como End of the beginning, God is dead?, Loner o el soberbio Damaged soul forman parte ya del repertorio de oro del grupo y quizá compensan algún corte más discutible (Zeitgeist, Dear Father) que, sin embargo, no consiguen bajar la nota media del sobresaliente. 13 es un disco clásico salido en 2013, y sin duda el más indispensable del año.

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 FROZEN, de Chris Buck y Jennifer Lee: Y SE ACABÓ EL CALENTAMIENTO GLOBAL…

Calificación: 7,5/10.

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Sé que había prometido en la anterior actualización despacharme con el remake de Carrie estrenado estos días, pero circunstancias personales que no vienen al caso me plantaron en una sesión de madrugada ante lo último de Disney, y… me ha gustado.

Como casi todo el mundo sabe, Disney ha estado metida en los últimos tiempos en un callejón sin salida creativo. Mientras estudios como Pixar (que, para colmo, pertenece a Disney) o Blue Sky producían los largometrajes de animación comerciales prototípicos del nuevo milenio, Disney o bien daba conscientemente un paso atrás como vuelta a esa animación tradicional cuyos tics nos exasperan a muchos (Tiana y el sapo) o se hacía un lavado de cara total en aras de producto innovador hasta donde se lo permiten sus características (Enredados). Pues bien, Frozen tira por la calle de en medio, o, para decirlo de otra manera, aúna tradición y modernidad con la consabida estructura de musical de buenos sentimientos y el ritmo de la nueva comedia de aventuras cuyos aires vienen impuestos desde fuera.

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Y el resultado, espectacular. El sustrato temático del cuento de Hans Christian Andersen unido a una visualidad apabullante y a una forma de contar poco a poco menos clasicota y más frenética se imponen a la cursilería de los números musicales y también al mensaje ñoño. Hay personajes para todos los gustos y toneladas de humor blanco, pero hay, sobre todo, mucho de ese escurridizo e inefable concepto llamado “magia Disney”. Y, personalmente, agradezco, a pesar de que la co-protagonista tenga la capacidad sobrenatural de modificar el clima, la ausencia de mensaje ecologista, aunque durante el visionado no dejé de pensar que la reina Elsa, con sus poderes para congelar su entorno, sería el sueño de todos esos calentólogos que, poco a poco, se van quedando tan anticuados como esas producciones Disney a las que Enredados y Frozen han conseguido superar…

* FROZEN (2013). DIRECTORES: Chris Buck y Jennifer Lee. INTÉRPRETES DE LAS VOCES: Kristen Bell, Josh Gad, Idina Menzel y Jonathan Groff. NACIONALIDAD: EE. UU. La película se estrenó el pasado viernes 29 de noviembre, pero puedes descargarla aquí

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LA GRAN BELLEZA, de Paolo Sorrentino: UN IMBÉCIL EN LA CIUDAD ETERNA

Calificación: 3/10.

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Ha vuelto a suceder. Este engendro larguísimo, pretencioso, hortera, falsamente felliniano y anacrónico hasta lo vergonzante ha hecho aplaudir al unísono a los críticos del mundo entero. Tal unanimidad, a estas alturas, resulta casi una garantía de que nos están colando un pufo.

El realizador italiano, conocido por el común de los cinéfilos por su anterior Un lugar donde quedarse (no confundir con el filme del mismo título de Sam Mendes), protagonizada entre otros por Sean Penn y Frances McDormand, vuelve ahora al retrato de su país, y más concretamente, al de la capital de este, la llamada “la Ciudad Eterna”, que tan buenos réditos cinematográficos ha dado a propios y extraños a lo largo de la Historia. Pues bien, si hacemos caso a Sorrentino, Roma no consiste en otra cosa que en una sucesión de estampas excéntricas y de saraos nocturnos donde los intelectuales huyen de la pedantería que les es consustancial bailando remixes house de Rafaella Carrá y metiéndose rayas en el baño. El protagonista hace de hilo conductor: Gep Gambardella, un imbécil total, un niño prodigio de las Letras ya sexagenario que aún sigue mascando el éxito que le sobrevino de joven con su primera novela.

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Gambardella al menos está bien interpretado por Toni Servillo; otra cosa es que el personaje recoja, como ha dicho más de un crítico lumbrera, el testigo de Marcello, el Mastroianni de La dolce vita. Si la película de Fellini, por la que siento una incalculable estima, se ha quedado definitivamente vieja, no digamos ya esta actualización a modo de revoltijo con sus nobles, sus monjas, sus periodistas trepas y su bohemia absolutamente imposible. Lo dicho: la han comparado con Fellini, pero para mí que iguala en ridiculez a modo de ínfulas a un polémico estreno del año pasado: Holy Motors, de Leos Carax. De verdad, Roma no se merecía un “homenaje” así…

* LA GRAN BELLEZA (2013). DIRECTOR: Paolo Sorrentino. INTÉRPRETES: Toni Servillo, Carlo Verdone, Sabrina Ferilli, Serena Grandi, Isabella FerrariNACIONALIDAD: Italia. La película se estrenó el pasado viernes 6 de diciembre, pero puedes verla online y descargarla aquí

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